HoofdafbeeldingVreemdeling. Foto door Isabel MacCarthy
Wat betekent het om een vrouwelijke kunstenaar te zijn in 2025? Het is een bijna onmogelijke vraag om te beantwoorden, maar in een poging dit te doen voor haar publicatie A Nice Magazine keek Hanna Moon naar de surrealistische pionier Dorothea Tanning, waarbij ze haar bewuste schilderijen gebruikte als leidende kracht om de perspectieven van haar getalenteerde kring, waaronder Rosie Marks en Jet Swan, te verzamelen. Voor Michella Bredahl betekende het delen van een belangrijke mijlpaal met haar moeder – haar eerste museumtentoonstelling, Rooms We Made Safe in Huis Marseille in Amsterdam – het volgen van een tedere dialoog met beelden die ze allebei hadden gemaakt om thema’s als genezing en moederliefde te onderzoeken. Isabel MacCarthy gebruikte haar camera om door de pijnlijke ervaring van verdriet te navigeren, terwijl John Yuyi de balans opmaakte van de jaren die hij onderweg had doorgebracht, waarbij hij huis, bezittingen en routines achterliet om nomadisch te leven en onderweg kunst te maken. Via een breed spectrum aan projecten laten deze tien vrouwelijke kunstenaars zien dat te midden van een veranderende wereld de meest meeslepende verhalen de verhalen zijn die op authentieke wijze worden verteld.
Zelfs 30 jaar nadat Sophy Ricketts serie Stream voor het eerst werd opgenomen, roepen de beelden nog steeds shock op. De kunstenaar kwam voort uit een ruimte ergens tussen ‘naleving en subversie’ en startte het project nadat hij de kunstacademie had afgerond terwijl hij als uitzendkracht werkte op een bedrijfskantoor in de Square Mile. Ze begon vrouwen te fotograferen die in het donker in kantoorkleding in het openbaar urineerden, buiten MI6 en tussen de statige gebouwen van de stad. Ze fotografeerde ze staand, zoals hun mannelijke tegenhangers graag zouden gaan lekken na te veel pinten na het werk. “Ik begon (de stad) te herkennen als een cultuur op zichzelf, met zijn codes, systemen, conventies, gemeenschappen en esthetiek”, vertelde Rickett Emily Dinsdale over de beelden toen ze deze zomer in de Cob Gallery te zien waren. “Ik begon er op mijn eigen voorwaarden mee bezig te zijn en zag het als een context waarin ik het kon laten werken.”
Michella Bredahl gebruikte het publieke platform dat haar eerste museumtentoonstelling bood om een diep persoonlijk onderwerp te onderzoeken: haar complexe relatie met haar moeder. Bredahls fotominnende alleenstaande moeder groeide op in een arbeiderswijk aan de rand van Kopenhagen en was de eerste die haar een camera in de hand gaf, hoewel haar jeugd ook werd beïnvloed door de strijd van haar moeder tegen drugsverslaving. Rooms We Made Safe brengt Bredahls eigen werk samen met beelden die haar moeder maakte voordat ze werd geboren, en reflecteert op ideeën over thuis, herstel en moederlijke banden door middel van de kwetsbare daad van fotografie. “Als ik deze foto’s zie, zie ik niet alleen pijn, ik zie liefde”, vertelde ze Rose Dodd toen de show opende in Huis Marseille in Amsterdam. “Ik zie een moeder die toch weer is opgestaan nadat ze op een van de donkerst denkbare plekken was gevallen. Dat draag ik bij me.”
Isabel MacCarthy opende haar debuuttentoonstelling, Alien, in de lente van dit jaar – een huiveringwekkende tentoonstelling die beelden van vrienden, huiselijke ruimtes en bovennatuurlijk geladen scènes in de natuur samenbracht in de Bolding Gallery in Marylebone. De tentoonstelling werd gemaakt naar aanleiding van de dood van haar moeder en reflecteerde op wat het betekent om te bestaan in een kwetsbaar menselijk lichaam en de onzichtbare krachten die ons binden aan de wereld om ons heen. “Als je op een andere manier naar het menselijk lichaam kijkt, kun je je hand zien als een klauw of als je aan de huid trekt en deze uitrekt”, zei MacCarthy destijds. “We zijn zo vreemd en we begrijpen onszelf niet helemaal. Door middel van fotografie probeer ik mezelf, de mensen om me heen en hoe alles met elkaar verbonden is, te begrijpen.”
Wat zou er gebeuren als je zou stoppen met het betalen van huur, je koffers zou pakken en zou beginnen met het onderverhuren van de woningen van vrienden over de hele wereld? Hoe verandert het feit dat je niet gebonden bent aan één plek jou als persoon? Dit is de vraag die centraal staat in John Yuyi’s in Hato-Press gepubliceerde zine POV, dat een surrealistisch, semi-geënsceneerd document vormt over het nomadisch leven van de afgelopen drie jaar. “Het is echt raar, soms word ik wakker en denk ik: ‘Waar ben ik?’ Het duurt even om te verwerken: ‘Oké, ik ben in dit land, deze stad en het huis van deze vriend’, vertelde ze ons dit voorjaar. “Ik denk dat het op verschillende manieren gezond en ongezond is. Mijn ogen worden voortdurend geopend voor nieuwe ervaringen.”
In augustus sprak Laura Halvin met Cassandra Trenary, directrice van het American Ballet Theatre, om een opmerkelijk oeuvre te bespreken dat ze gedurende haar hele carrière stilletjes heeft gemaakt: foto’s die de wazige backstage-pauze, debuten, promoties en laatste optredens van de afgelopen vijftien jaar vastleggen. “Fotografie is voor mij een enorme opluchting en vreugde”, zegt Trenary. “Het is voor een groot deel mijn taak om te bestaan in de visies van anderen, en daarom denk ik dat fotografie een manier is om mijn visie te delen – en dat is heel kwetsbaar om te doen.”
Na een onderbreking van zes jaar heeft fotograaf Hanna Moon begin dit jaar haar in eigen beheer uitgegeven A Nice Magazine nieuw leven ingeblazen. De publicatie is geïnspireerd op het werk van de baanbrekende surrealist Dorothea Tanning, op wie Moon gefixeerd raakte na het zien van een tentoonstelling in Tate Modern die in 2018 aan haar was gewijd. De resulterende publicatie onderzoekt wat het betekent om een vrouwelijke kunstenaar te zijn en biedt een scala aan verrassende perspectieven van Moon’s getalenteerde kring van medewerkers en medewerkers, waaronder Je Jo Moycet Okinawa, Wymo Rongsie en Emma. Merken, om er maar een paar te noemen. “Ik wil het bijna niet loslaten”, vertelde ze ons over het project, dat meer dan vijf jaar in beslag nam. “Ik heb de plicht om het mooi te maken vanwege alle mensen die mij vertrouwden, mij hun werk gaven en wachtten… Uiteindelijk heb ik echt moeten pushen. Ik ben er echt trots op, maar het voelde als een bevalling.”
Emily Dinsdale sprak met Constanze Han over het maken van haar onverschrokken serie También Somos Mujeres, die de levens documenteert van sekswerkers in de gevaarlijkste stad ter wereld: Honduras. “Ik werd vooral nieuwsgierig naar degenen die op straat werkten, omdat het moeilijk was om iemand voor te stellen die kwetsbaarder was voor schade”, zei ze over het project, waarvan de naam zich vertaalt naar We Are Also Women. “Omdat ik wist hoe onvoorspelbaar en emotioneel veeleisend hun werk kan zijn, probeerde ik hun tempo te volgen en de zaken op hun eigen voorwaarden te laten verlopen.”
Eén keer per jaar komen in Litouwen honderden jonge vrouwen en meisjes samen in een stadion om hun haar – sommige zo lang dat het op de knieën schuimt – te laten opmeten door rechters die rode handschoenen dragen. Konkursa’s Daoto Ilgalaukes, ’s werelds langste haarwedstrijd, wordt al meer dan 20 jaar gehouden. Francesca Allen documenteerde de surrealistische rituelen van de optocht met een zacht, oplettend oog voor haar boek Plaukai en sprak met AnOther over ideeën over moderne praal en waarom haar zo nauw verbonden is met de vrouwelijke identiteit over de hele wereld. “In Litouwen is er veel folklore rond haar en de geschiedenis erachter”, zei ze. “Maar ik denk dat wij als wereld volledig geobsedeerd zijn door haar. Vooral voor vrouwen is het zo’n groot deel van onze identiteit.”
Het debuutboek van Chessa Subbiondo, tot leven gebracht door de Tokyo-uitgever Super Labo, biedt een ontroerende introductie tot haar onrustige, prachtig geënsceneerde wereld. Splint creëerde spannende cinema in alledaagse scènes en werd in de loop van twee jaar opgenomen op parkeerterreinen, huizen en winkelcentra in Los Angeles en New York, waarbij het vermogen van de beeldmaker werd onthuld om intriges en ongemak op te roepen met haar kenmerkende filmische vlaklichtcomposities. De titel, zo zei ze tegen Madeleine Rothery, kreeg een dubbele betekenis; “Het is als een spalk, als een beugel. Zo voelde het boek voor mij aan: het heeft me het afgelopen jaar echt bij elkaar gehouden en het gaf me een doel, iets waar ik me aan kon binden en waar ik al mijn energie in kon stoppen. Maar tegelijkertijd is het ook als een splinter die onder je huid blijft steken en tegen je zeurt om hem eruit te trekken.”
Lina Scheynius staat bekend om haar spontane, zelfontdekkende beelden. Maar tot dit jaar stond ze helemaal niet bekend om haar schrijven, afgezien van een paar blogposts die ze aan het begin van haar carrière begin 2010 schreef. Diary of an Ending gaat over het einde van een turbulente relatie en is haar eerste prozawerk: een indringend en gelaagd verslag van de nasleep van een breuk, opeenvolgend in dagboekaantekeningen, met essays die vijf jaar na de gebeurtenis zijn geschreven, afgewisseld met tedere zwart-witfoto’s die thuis zijn gemaakt. “Ik had flashbacks”, vertelde ze aan AnOther toen haar werd gevraagd wat haar ertoe bracht over het uiteenvallen te schrijven. “Er waren veel dingen waar ik me nog steeds zorgen over maakte… Sinds ik aan het boek heb gewerkt, voel ik me groter, alsof ik meer woordenschat heb, meer manieren om dingen te begrijpen.”
