De tien meest inspirerende kunstverhalen gepubliceerd op AnOther in 2025

In januari was de opening van een grote tentoonstelling over het leven en werk van Peter Hujar een van de meest ontroerende en veelbesproken tentoonstellingen die Londen dit jaar zag. Als een van de meest invloedrijke figuren in de twintigste-eeuwse fotografie is Hujar vooral bekend vanwege zijn intieme documentatie van de exploderende underground van New York in de jaren zeventig en tachtig: kunstenaars, dichters en queerkunstenaars die met onverschrokken tederheid werden gefotografeerd aan de vooravond van de aids-epidemie. De tentoonstelling, gepresenteerd op elke verdieping van Raven Row, een galerie in een voormalig Victoriaans herenhuis in Spitalfields, schetste de breedte van zijn praktijk, van portret- en waterstudies tot latere straat- en architectuurfotografie, en omvatte, ongelooflijk, afbeeldingen van Hujar op zijn sterfbed, gemaakt door David Wojnarowicz. Ter gelegenheid van de opening modereerde Will Ferreira Dyke een fascinerend gesprek tussen cameraman John Douglas Millar en Hujars vriend en drukker Gary Schneider, die sprak over de ongrijpbare man achter de camera.

In mei sprak AnOther met fotograaf Ethan James Green over de galerie die hij opende boven zijn studio in Chinatown. De beroemde beeldend kunstenaar, die zijn carrière als model begon, lanceerde in een rustige periode in 2022 de New York Life Gallery, waarbij hij zich na jaren van toegewijd werk enigszins afgewezen voelde door de mode-industrie. Een deel van de magie achter de curatoriële aanpak van Green is dat hij put uit zijn eigen persoonlijke smaak, met eerdere tentoonstellingen waaronder intieme portretten van Baltimore-vrouwen door Steven Cuffie, adrenalinerijke beelden van de straten van New York door Daniel Arnold, en een groepstentoonstelling ter ere van nieuwe schilders die op Instagram zijn ontdekt. “Ik ben altijd behoorlijk eerlijk en bekrompen geweest in mijn werk”, zei Green destijds. “Door het openen van de galerie ben ik gestopt en enthousiast geworden over het onbekende. Ik hou van fotografie, maar ik ben nu net zo verliefd op het hebben van een galerie.”

De opvallende schoonheid van de schilderijen van Louise Giovanelli heeft de kunstenaar uit Manchester de afgelopen jaren steeds meer erkenning opgeleverd, met haar muurschilderingen in de White Cube en de Hepworth Wakefield. Vorige maand sprak Violet Conroy met Giovanelli toen ze haar al lang bestaande interesse in het gordijn – en de link ervan met performance en verhulling – naar een veel grotere schaal bracht, door de 300 jaar oude St Mary le Strand in het centrum van Londen te bedekken met een glinsterende zilveren installatie. “Ik ben gefascineerd door moderne vormen van toewijding en aanbidding”, zei ze. “Als we bijvoorbeeld naar een popconcert gaan en een iconische popster zien in een oogverblindende, sprankelende jurk… hebben we de behoefte om te streven en naar iets te kijken en te wijzen naar iets dat we groter achten dan wijzelf.”

Tijdens een zomer in Connecticut in 1949 liet Susan Weil haar partner, Robert Rauschenberg, kennismaken met het maken van cyanotypes – een blauwgekleurd fotografisch proces dat ze van haar familie had geleerd. Elke dag plaatste het tweetal vellen lichtgevoelig papier in de zon, waarbij ze voorwerpen en lichamen erop plaatsten om zachte, spookachtige afdrukken achter te laten. Vorige maand blikte Emily Dinsdale terug op deze periode van gedeelde experimenten toen er een nieuw boek verscheen, met openhartige citaten van Weil uit een interview met Lou Stoppard. Nu, in de tachtig, denkt Weil na over hoe vrouwelijke kunstenaars destijds werden behandeld. “Ik vond het niet erg om met Bob te werken, omdat het gewoon iets was dat we deden vanwege de schoonheid ervan en de verrassing ervan, maar ik vind het wel belangrijk hoe mensen er later naar kijken”, zei ze. ‘Ik heb er een hekel aan als het ‘Bob’s Blueprints’ is. Ze betrekken mij nauwelijks, terwijl het allemaal van mij kwam.”

Het gesprek van Alayo Akinkugbe met visionair kunstenaar Steve McQueen was een van de krachtigste interviews die deze zomer op AnOther zijn gepubliceerd. Ter gelegenheid van de opening van zijn kleurverzadigde immersieve installatie Bass in Basel sprak het tweetal over de waarde van ruimtes die pauze en reflectie mogelijk maken in een wereld van constante overbelasting. ‘Ik voelde een overweldigend gevoel van kalmte in je installatie, Bass,’ zei Akinkugbe. “Het verankerde me in het heden en zorgde ervoor dat ik naar binnen keerde. Was dat iets dat je via dit werk wilde onderzoeken?” Waarop McQueen antwoordde: “Ja, hier en nu. Het gaat niet over gisteren of de toekomst. In jezelf zijn, bij jezelf zijn – er zijn niet vaak ruimtes of omgevingen die je dat geven.”

Aan het begin van het jaar wilde Sadie Coles iets anders proberen. Geïnspireerd door een golf van underground kunstevenementen in Londen lanceerde galeriehouder Gargle samen met de jonge curator Sam Will een maandelijkse spoken-word-serie in de Kingly Street-galerij in samenwerking met een wisselende reeks uitgevers en collectieven. Met optredens, poëzie en lezingen trokken de drukke avonden een steeds groter publiek, met overnames door onder meer Climax Books, James Massiah’s Adult Entertainment en dansmagazine Motor. “Het is als galerie belangrijk dat je een gevoel van vernieuwing hebt en dat het niet alleen een plek is voor één generatie”, vertelde Coles ons. “Ik heb het gevoel dat het me iets heel tastbaars en speciaals geeft. Het was zo geweldig dinsdag bij Gargle om al deze getalenteerde stemmen te horen en om met een publiek van jonge mensen om te gaan. Ik was letterlijk dertig jaar ouder dan wie dan ook in die zaal. Het was eigenlijk een geweldig gevoel.”

Toen Barbara Kruger in juli een grote overzichtstentoonstelling opende in het Guggenheim Bilbao, ontmoette Emily Steer de legendarische feministische kunstenaar voor een gesprek over de stand van zaken in de Amerikaanse politiek en de rol van kunst daarin. Door het museum te vullen met haar scherp vormgegeven werken, waaronder het veelverspreide Your Body Is a Battleground uit 1989, voelt de rondreizende show, zo schrijft Steer, brandend relevant in het huidige tijdperk van Trump en de intrekking van het abortusrecht. Sprekend over de omverwerping van Roe v. Wade zei Kruger: “Het feit dat mensen geschokt zijn, is zo verontrustend en maakt me echt boos. Niemand zou door dit alles geschokt moeten zijn. Voor het centrum en de linkerzijde hier in de Verenigde Staten was dit een zelf toegebrachte wond omdat ze in een zeepbel zaten en niet begrepen wat er om hen heen aan het gebeuren was. Elke keer riepen mensen om de revolutie, en het is een revolutie van jouw kant! Word wakker.”

In oktober interviewde Emily Steer Hans Ulrich Obrist, de productieve schrijver en artistiek directeur van de Serpentine Gallery, toen hij zijn memoires Life in Progress publiceerde. Hij vertelde hoe een bijna-doodervaring in zijn kindertijd een eindeloos verlangen aanwakkerde om kunstenaars te begrijpen, waarom hij inspiratie vindt in de woorden van filosoof Roman Krznaric en zijn rol als curator ziet als een ‘verbindingsmaker’ tussen objecten, mensen en ideeën.

Voor de herfst/winter 2025-uitgave van AnOther Magazine sprak Sophie Bew met de formidabele Marina Abramović over haar beslissing om terug te keren naar haar video Balkan Erotic Epic uit 2005, twintig jaar nadat deze voor het eerst werd gemaakt. Het werk, opnieuw vormgegeven als een vier uur durende meeslepende performance in de Aviva Studios in Manchester, had meer dan 75 deelnemers en putte uit de rauwe kracht van de Slavische folklore, waarmee Abramović’s levenslange onderzoek naar het lichaam als communicatiekanaal werd voortgezet. “Volgend jaar word ik 80 jaar oud en het is zo belangrijk om over seks en erotiek te praten, omdat vrouwen na de menopauze niet meer geloven dat dit bestaat”, zei ze. “Erotische energie is essentieel, vooral in een tijd van vernietiging, geweld, oorlog en politieke chaos. Seksuele energie is de enige energie die we in ons lichaam dragen. Het is de energie voor voortplanting en menselijk bestaan.”

Je kent de naam Paul Thek misschien niet, maar je herkent zijn gezicht misschien wel van de foto’s van Peter Hujar (vooral als je Raven Row in januari bezocht). De twee waren geliefden in de jaren ’70 en ontmoetten elkaar voor het eerst tijdens een roadtrip naar Key West, Florida, in 1956, toen ze allebei begin twintig waren. Thek’s werk, op zichzelf een radicale visionair, werd tijdens zijn leven grotendeels over het hoofd gezien en kreeg pas de laatste jaren bredere erkenning. Een van zijn meest uitgesproken kampioenen is modeontwerper Jonathan Anderson, die in juni een tentoonstelling van Thek’s rauwe, expressieve schilderijen cureerde in de Thomas Dane Gallery. Ter gelegenheid van de opening nodigde Will Ferreira Dyke een groep schrijvers, academici en kunstenaars uit – waaronder Kenny Schachter, Lynne Tillman en Andrew Durbin, de biograaf van Thek – om na te denken over zijn blijvende nalatenschap. “Op dit moment denk ik aan een zin uit een schilderij uit 1988, een van zijn laatste werken, gemaakt toen hij stervende was: ‘Laten we, zolang er nog tijd is, naar buiten gaan en alles voelen.'” zei Durbin. “Deze woorden weerspiegelen zijn houding als kunstenaar. Hij was zich scherp bewust van de grenzen van ieder mensenleven en hij zocht altijd naar ervaring.”