Terwijl de dag van Peter Hujar aanbreekt, zijn hier tien films en documentaires die laten zien hoe het leven van een fotograaf er achter de schermen echt uitziet de lens
Ze vinden het misschien niet leuk om aan de andere kant van de lens te staan, maar fotografen zorgen voor fascinerende onderwerpen. Gelukkig voor ons is er geen tekort aan films, zowel fictieve als feitelijke, die de camera de andere kant op laten draaien en ons laten zien hoe het echt is om fotograaf te zijn.
Het afgelopen jaar verschenen er verschillende documentaires waarin specifieke fotografen centraal stonden: wijlen Martin Parr in Lee Shulmans I Am Martin Parr en Joel Meyerowitz (met zijn vrouw Maggie Barrett) in het briljante Two Strangers Trying Not to Kill Each Other. Onlangs bracht National Geographic Love + War uit, een documentaire over de Pulitzerprijswinnende fotojournalist Lynsey Addario. Vorig jaar zijn er ook fictiefilms uitgebracht waarin de hoofdpersoon een fotograaf is, zoals Picture This van Amazon Prime.
De reden voor de overvloed aan titels is simpel. Fotografen, misschien met uitzondering van de paparazzi, genieten van sociale waarde in onze cultuur. Als publiek willen we graag begrijpen hoe het leven van een fotograaf er werkelijk uitziet achter de artistieke mystiek. We verlangen er allemaal stiekem naar om te weten wat kunstenaars de hele dag doen.
De nieuwe film van Ira Sachs De dag van Peter Hujar onderzoekt dit idee letterlijk. Gebaseerd op het boek van Linda Rosenkrantz, is de film slechts een gesprek tussen Rosenkrantz (Rebecca Hall) en de Amerikaanse fotograaf Peter Hujar (Ben Whishaw) waar Rosenkrantz Hujar vraagt om te vertellen wat hij de vorige dag heeft gedaan. Gelukkig voor de kijkers had Hujar een drukke dag – één telefoontje verwijderd Susan Sontagonderhandelingen met de redactie, een fotoshoot met Allen Ginsberg. De dag van Peter Hujar is niet bijzonder veelbewogen – het is gewoon een gesprek, ook al is het prachtig gefilmd – maar de film onthult de alledaagsheid en tegenstrijdigheden die inherent zijn aan professionele fotografie: glamour en lof vermengen zich met creatieve jaloezie en angst voor geld. Zoals bij de meeste fotografen schuilt er altijd een complexere waarheid onder de oppervlakte.
Terwijl de dag van Peter Hujar in de bioscopen verschijnt, zijn hier nog tien films over het fotograafschap.
Nan Goldin maakte naam door de queerscene in het New York van de jaren tachtig te fotograferen. De afgelopen jaren is ze een van Amerika’s meest fervente pleitbezorgers geworden in de strijd tegen de opioïdenepidemie. All the Beauty and the Bloodshed, geregisseerd door de legendarische documentairemaakster Laura Poitras, is een biografie van Goldin, zowel als fotograaf als als sociaal activist. Dia’s uit Goldins legendarische serie The Ballad of Sexual Dependency worden afgewisseld met beelden van haar directe acties tegen de familie Sackler (vanwege haar rol in het aanwakkeren van de opioïdencrisis) en de kunstgalerijen die Sackler-geld accepteren.
Lees ons interview met de regisseur hier.
Toen John Maloof op een veiling een doos met fotonegatieven kocht, had hij geen idee dat hij op het punt stond op een van de grootste mysteries van de fotografie te stuiten. Vivian Maier, die in 2009 overleed, liet ruim 100.000 negatieven na. Ze wordt nu beschouwd als een van de grootste straatfotografen aller tijden, maar ze was erg privé, werkte als oppas in New York en liet haar foto’s nooit aan iemand zien. Het vinden van Vivian Maier wordt geconfronteerd met een moeilijke vraag. Maier heeft haar werk opzettelijk niet gedeeld toen ze nog leefde, dus overwegen Maloof en anderen de balans tussen het respecteren van privacy en het delen van het werk van een geweldige fotograaf met de wereld.
Lees ons artikel over Vivian Maier hier.
Voor Sally Mann is schoonheid nooit alleen maar mooi; er schuilt altijd een onderstroom van onbehagen onder haar grootformaat beelden. Mann kwam begin jaren negentig onder de publieke aandacht met zijn foto’s van zijn kinderen, vaak naakt. De documentaire van Steven Cantor uit 2005 volgt Mann terwijl ze haar familie, haar landschap en, in de meest gedenkwaardige reeks van de film, dode lichamen blijft fotograferen die in de open lucht worden ontbonden als onderdeel van een medisch onderzoeksproject. Wat overblijft toont de onzekerheid van het kunstenaarschap: we zien Manns reactie op de beslissing van de Pace Gallery in New York om een geplande tentoonstelling van haar werk vier maanden voor de opening te annuleren.
Lees ons interview met Sally Mann hier.
Ron Galella was de koning van de paparazzifotografie. Zoals de documentaire Smash His Camera onderzoekt, grensde Galella’s gedrag aan stalking. Hij had er geen moeite mee om beroemdheden te fotograferen als hij kon, en hij maakte uiteraard nogal wat vijanden. (In 1973 sloeg Marlon Brando Galella buiten een Chinees restaurant, waardoor zijn kaak brak. De volgende keer dat Galella de acteur fotografeerde, droeg hij een voetbalhelm.) Zijn camera kapot slaan is een goede manier om na te denken over de ethiek van fotografie – ook al is het je misschien wettelijk toegestaan om in het openbaar een foto te maken, betekent dit dat dit juist is? Galella was onbevreesd. Dit is de reden waarom hij wordt beschouwd als de grootste paparazzo die ooit heeft geleefd. En waarom zoveel mensen zijn camera kapot wilden maken.
Gordon Parks was een man met veel talenten. Hij was een filmregisseur, een dichter, een romanschrijver, een muzikant en een iconische fotograaf die raciaal onrecht in de Verenigde Staten vastlegde. Voor Parks was de camera een wapen; hij had zich naar het pistool of het mes kunnen wenden, zei hij ooit, maar in plaats daarvan wendde hij zich tot de camera. Wat A Choice of Weapons bijzonder maakt, is de focus niet alleen op Parks zelf, maar ook op hedendaagse fotografen die door hem zijn geïnspireerd. A Choice of Weapons gaat zowel over de huidige generatie fotografen – het fotograferen van protesten en sociale bewegingen – als over Parken, wat een behoorlijk fatsoenlijke manier is om zijn nalatenschap te eren.
Lees ons artikel over Gordon Parks hier.
Matt Smith gaf een gedenkwaardig optreden als Robert Mapplethorpe in Ondi Timoners biopic uit 2018 over de provocerende fotograaf. Mapplethorpe maakte naam met zijn gedurfde, seksueel geladen beelden van de BDSM-scene, leer en penissen. Zelfs zijn bloemen zijn erotisch en fallisch. Mapplethorpe brengt de opkomst van de fotograaf, zijn drugsproblemen en zijn uiteindelijke dood door HIV/AIDS in kaart. Maar de film roept belangrijke vragen op over professionele fotografie – namelijk het belang van artistieke visie versus technische perfectie, en de hypocrisie van een kunstmarkt die je het ene moment haat en het volgende moment van je houdt als ze beseffen dat ze geld aan je naam kunnen verdienen.
Lees meer over Robert Mapplethorpe hier.
De stijl van Richard Avedon was eenvoudig: zwart-witportretten tegen een witte achtergrond. Maar met zijn uitgeklede aanpak creëerde Avedon enkele van de meest iconische portretten van de 20e eeuw. Zijn onderwerpen varieerden van Robert Oppenheimer tot Marilyn Monroe tot gewone boeren in Texas. In Darkness and Light, gemaakt toen hij nog leefde, vertelt Avedon over zijn werk en benadering van fotografie. De film zit boordevol anekdotes van een van de grootste modefotografen, maar ook inzicht in waarom Avedon voor dit beroep heeft gekozen. De camera hielp Avedon bij het confronteren van dingen die hij niet begreep, zoals vrouwen en de dood.
Zoals de titel suggereert, is Fur geen nauwkeurige biografie van Diane Arbus. In het echte leven voelde de fotograaf zich aangetrokken tot mensen aan de rand van het Amerika van het midden van de eeuw: travestieten, nudisten, carnavalsartiesten, mensen met een handicap. In Fur wordt Arbus (gespeeld door Nicole Kidman) verliefd op Lionel Sweeney, een man die lijdt aan abnormale haargroei, gespeeld door Robert Downey Jr.. De film kreeg gemengde recensies, waarbij velen bezwaar maakten tegen de lakse benadering van feit en fictie in de film. Maar ondanks wat sommige mensen geloven, is fotografie nooit synoniem geweest met objectieve waarheid. Bovendien was Arbus een van de meest ethisch verdeelde figuren in de fotografie. (Susan Sontag bekritiseerde haar werk als uitbuitend en zonder compassie.) Een film die zich vrijheden met de waarheid permitteert, is daarom een passend eerbetoon aan Arbus.
Lees ons artikel over Diane Arbus hier.
Als er één fotograaf een biopic verdient, dan is het Lee Miller wel. Ze was een model in Parijs, een medewerker en muze voor Man Ray en een frequente fotograaf voor Vogue. Maar Lee, met in de hoofdrol en geproduceerd door Kate Winslet, slaat veel van deze glamour over en concentreert zich in plaats daarvan op Millers oorlogsfotografie. Boos door de toegang tot haar mannelijke collega’s, vond Miller een manier om de slagvelden van de Tweede Wereldoorlog vast te leggen en was een van de eerste fotografen die kort na de bevrijding de verschrikkingen van de Holocaust vastlegde. De oorlogservaringen hadden een diepgaande invloed op haar, wat Lee scherp vastlegt.
Lees ons artikel over Lee Miller hier.
Over Helmut Newton zijn al een paar documentaires gemaakt – Frames from the Edge (1989) en The Bad and the Beautiful (2020) – maar geen enkele is zo verhelderend als die van zijn vrouw Helmut in juni. De film, opgenomen met een thuisvideocamera, is een spannende cinéma vérité-kijk op een man wiens fotografie synoniem is met seks, naaktheid en provocatie vanuit het liefdevolle oog van een echtgenoot. Helmut in juni is intiemer dan alleen een fly-on-the-wall-observatie; we horen het verhaal van June terwijl we zien hoe haar man naaktmodellen fotografeert – “Hij houdt van grote vrouwen… omdat hij ze kan manipuleren” – en een glimp opvangen van zijn huwelijk met het beroemde enfant verschrikkelijke van de fotografie.
Peter Hujar’s Day is nu in de Britse bioscopen te zien.
