Voor de release van zijn nieuwe documentaire Kinaesthesia deelt Gerald Fox de klassiekers uit het stille tijdperk waarin opvallend moderne technieken werden gebruikt om een nieuwe beeldtaal te bedenken voor dromen
Wanneer Gerald Vos Toen hij een cursus filmstudies volgde die werd gegeven door de beroemde wetenschapper Vlada Petrić, werd hij getroffen door het essay Film & Dreams van de overleden Harvard-professor. Het essay bood een overzicht van de ‘oneirische stijl’ – een stijl die de sensatie en inhoud van dromen opriep – die floreerde in stomme films. Tientallen jaren aan films uit het begin van de 20e eeuw werden geanalyseerd door het ‘prisma van dromen’. Zoals de surrealistische meester Luis Buñuel het verwoordde: “Dromen zijn de eerste cinema die door de mensheid is uitgevonden.”
Later in zijn carrière keerde Fox terug naar het essay en gebruikte het als basis Chinaesthesieeen documentair essay dat de opkomende technieken van de ‘droomfilm’ in kaart brengt – niet alleen de banale, opgeblazen stijlfiguren van de droomreeks die we vandaag kennen, maar een uitgebreide, experimentele taal van psychologische subjectiviteit waarin angst en verlangen worden bezield door filmische vormen. “Een groot deel van ons dagelijks leven bestaat uit hallucinaties, dromen en dagdromen”, zegt Fox via Zoom. “Film is hoe het is geëvolueerd van (het stille tijdperk) naar Fellini En BergmanBuñuel en David Lynch. (Zij) namen die ideeën over en creëerden een film die echt op een droom leek.
Kinesthesie – wat ‘de sensatie van beweging’ betekent – markeert de honderdste verjaardag van drie grote ‘droomfilms’: Menilmontant van Dmitry Kirsanoff, A Page of Madness van Teinosuke Kinugasa en Metropolis van Fritz Lang.. Maar de documentaire barst bijna van de archieffragmenten uit het stille tijdperk. Volgens Fox concurreerden deze filmmakers onofficieel met elkaar met ambitieuze droomsequenties die een explosie van stijl mogelijk maakten binnen meer conventionele verhalende films.
Ter gelegenheid van de release van de film, we vroegen Fox naar vijf droomsequenties in de film die de basis legden voor de weergave van dromen op het scherm van vandaag.
In het tragische melodrama van FW Murnau droomt een arme hotelportier ervan zijn oude baan terug te krijgen. De regisseur neemt een vroeg standpunt in, loopt de draaideur van het hotel uit en ontdekt de portier, die het publiek met hernieuwde vaardigheid verblindt. Wegglijdend in gestileerde mijmeringen van sentimentele nostalgie en tevredenheid anticipeert op de psychodrama’s van Bergman en later David Lynch, die aan het einde van Twin Peaks: Fire Walk with Me, gebruikt een droomstijl om Laura Palmer een tragische, bitterzoete troost te bieden die haar in het leven werd ontzegd.
Gerald Vos: “Het is echt een verbazingwekkende, wensvervullende angstdroom. Wanneer je de dubbele belichting van de draaideur betreedt, wordt hij langzaam hersteld in zijn grootsheid. Hij is in staat om de dingen te bereiken die hij niet kon doen. Het idee was om te bereiken wat zij dachten dat de essentie van een droom was. Niet alleen het opnemen ervan, maar de kijker in de droom zelf plaatsen, en vanuit deze scène komt de ervaring terug in de droom zelf, en de app komt uit deze scène. Hij, en plotseling zit hij gewoon in zijn kamer door hemzelf (het is) een psychologisch afweermechanisme.
In de propagandafilm van Sergio Eisenstein en Grigori Aleksandrov bouwt een boerendochter een collectieve boerderij. Op een gegeven moment droomt ze vrolijk van hardwerkende machines die melkstromen vrijgeven en gigantische dieren die over elkaar heen staan. Toekomstige filmmakers zouden later montages maken die de textuur van dromen opriepen om te verontrusten in plaats van te inspireren: in Requiem for a Dream, Apocalypse Now en 2018’s Suspiria-remakehet ongelooflijke ritme van de montage wordt gebruikt om het publiek te desoriënteren en bijna te verstikken.
vriendin: “(Het neemt) deze fantastische lyrische energie over. De melk eruit halen en deze vervolgens mengen met ruisende rivieren, zodat je het gevoel krijgt van deze kakofonie van visuele beelden die samenkomen om iets te zeggen.” Zoals (Eisenstein) zei, stimuleerde hij psychofysiologische sensaties bij zijn kijkers om hen te enthousiasmeren voor, vermoedelijk, collectivisering. Ik weet zeker dat hij zich erg geïnspireerd en optimistisch voelde op het moment dat hij dit deed, en die reeks is (net als zijn) stromende vreugdestromen. Het is het gebruik van montage, de manier waarop dingen sneller en sneller worden en vervagen in je geest, om al deze dingen met elkaar te verbinden. De melk, de room, de rivier, het glinsterende licht – alles versmelt tot een symfonie.”
In de expressionistische sciencefictionklassieker van Fritz Lang hallucineert de zoon van de stichter van de futuristische stad visioenen en voortekenen van de dood die verband houden met geavanceerde machines, waaronder een Magere Hein en een dansende robotdubbel van Maria, de vrouw van wie hij houdt. In Blade Runner van Ridley Scott combineert Deckards droom van een eenhoorn spirituele symboliek met een verontrustende implicatie over de invasieve reikwijdte van technologie, zoals Lang onderzoekt in Metropolis.
vriendin: “Het snijdt tussen hem die duidelijk een hallucinatie heeft en deze dansende vrouw, en ieders ogen (kijken) raken steeds meer met elkaar verweven. Je bent er bijna niet eens zeker van: is (Lang) onderbroken of is het een hallucinatie? Je krijgt een enigszins onzekere kwaliteit die je meeneemt in een nachtmerrieachtige visie. Het is het idee om een abstracte hallucinatie van beelden en conglomeraten te creëren. (Lang) doet het met fotografische middelen, met montage, met architectonische middelen die een filmregisseur heeft willen maken sci-fi met dat soort scherpte is teruggegaan naar die film omdat het al die elementen bevat.
Het historische epos van Abel Gance bevat een oogverblindende montage van Napoléons dromen over wereldverovering – een stortvloed aan persoonlijke en krachtige symbolen die hem vooruit helpen. Deze overwinningsvisie zou later worden ondermijnd in de anti-oorlogsfilm Come and See uit 1985, die culmineert in een snelle montage die de hele Tweede Wereldoorlog op zijn kop zet, terwijl een jonge partizaan zich voorstelt al zijn lijden ongedaan te maken.
vriendin: “Het is zijn droom van wereldheerschappij. Hij is gefascineerd door de mogelijkheden van wat de toekomst in petto heeft. Die droom brengt alles over waar de rest van de film over gaat. Ik denk dat dat is wat Gance probeerde te doen: je, in een droomsequentie van één minuut, een idee geven van zijn innerlijke werking. In (1927) had Gance nogal wat van de Franse indruk, dat hij de Franse indruk duidelijk kon leren. om het beste van René Clair en (Jean) over te nemen. Renoir en gebruikte ze allemaal op de meest verbazingwekkende manier. Hij gebruikte het formulier zo ver als hij kon.
Buster Keaton’s virtuoze komedie gaat over een slapende filmoperateur die ervan droomt op het scherm te kruipen en een heldhaftige detective te worden die verwikkeld raakt in een gevaarlijke motorachtervolging, waaruit hij op miraculeuze wijze ongedeerd tevoorschijn komt. De fantasie om de grenzen van het scherm te overschrijden wordt een nachtmerrie wanneer deze wordt omgekeerd – de oneirische horror van Videodrome en The Ring laat zien hoe nerveus het is voor de bewoners van onze schermen om onze wereld in te komen.
vriendin: “De precisie van deze effecten; ze zijn eigenlijk beter dan CGI. Je voelt de authenticiteit van de beelden, wat ze zo geweldig maakt. Alles is mogelijk in een droom, dus in zekere zin had Buster Keaton zo’n licentie. Hij kan alles doen. (Het personage dat hij speelt is) een kapotte filmoperateur, maar door deze verbeelding en de film werd hij zelf het doelwit van de briljante man. Het was een droom, het is het gebruik van een droom als een manier om te zeggen: ‘Dit is het, film’.” gaat over’.”
Kinesthesie is nu in de Britse bioscopen te zien.
